Personas – Telas del mundo

Descubriendo el Ajrakh con Abdul Rauf Khatri

Nos fascina el ajrakh por su complejidad y la maestría en el uso de los tintes naturales de los artesanos que lo realizan. Como Abdul Rauf Khatri, miembro de una larga saga de artesanos de Kutch, en el oeste de India.

Nos fascina el ajrakh por su complejidad y la maestría en el uso de los tintes naturales de los artesanos que lo realizan. Como Abdul Rauf Khatri, miembro de una larga saga de artesanos de Kutch, en el oeste de India.

Abdul Rauf Khatri en su puesto de la Feria IFAM 2018 de Santa Fe. foto: © Cathy Scholl

El ajrakh es un tejido, tradicionalmente de algodón, teñido con bloques de madera tallados, mediante el uso de mordientes y reservas en un largo proceso. Los colores que se utilizan suelen ser rojo (Rubia cordifolia o indian madder) y azul (Indigofera tinctoria o índigo) con característicos diseños geométricos y florales.

Traditional double-sided spread with dabuli (round jewel-box) pattern / sahapedia.org

Bedspread with a khorak (date) pattern / sahapedia.org

Block for printing with ishq pech (‘love affair’) pattern / sahapedia.org

Cotton spread from Khatri Abdul Rauf’s workshop, Gujarat, 2015 / sahapedia.org

Algunos historiadores atribuyen el origen del ajrakh a la civilización del valle del Indo hace unos 4.000 años, apoyándose en los restos arqueológicos encontrados en la antigua ciudad de Mohenjo Daro. Esta civilización florecía a orillas del río Indo, que abastecía a los artesanos de los materiales naturales necesarios, como el algodón, el índigo y la rubia.

Hace unos 400 años el ajrakh de las tierras de Sind formaba parte del comercio internacional con oriente medio a través del océano Indico. En aquellos tiempos algunas comunidades de khatri, artesanos que trabajan estos textiles, se establecieron en el desierto de Kutch en Gujarat, India. El estampado ajrakh es una antigua tradición artística, cuyo desarrollo ha recibido la contribución de muchas culturas, como los diseños predominantes de influencias iraníes o islámicas, por su geometría y simetría.

Meena Kadri / flickr

nevil zaveri / flickr

Olivier & Pascale Noaillon Jaquet / flickr

En 2001, la aldea de Dhamadka, donde se asentaban estos artesanos, fue destruida en el terremoto de Gujarat. Con la ayuda del gobierno y ONGs se estableció una nueva aldea con el nombre de Ajrakhpur, donde vive Abdul Rauf Khatri. Hemos hablado con este maestro artesano de ajrakh sobre su aprendizaje, los materiales que utilizan, los procesos de elaboración y sobre el futuro del ajrakh. Todo un placer y un honor.

¿Como comenzó a trabajar con ajrakh?
Mi familia ha estado involucrada con la estampación ajrakh con bloques de madera durante diez u once generaciones. En los viejos tiempos se hacía ajrakh para las comunidades de pastores y cada comunidad tenía sus diseños específicos. Tradicionalmente, los hombres llevaban el Maldhari Ajrakh.

Puesto que los tintes naturales desaparecieron en el siglo XX en muchas partes del mundo, es difícil mantener el ajrakh con tintes naturales? ¿Es difícil conseguirlos? Con el nuevo impulso de los tintes naturales ¿hay una demanda más grande?
En la década de 1940 el uso de los tintes químicos se hizo popular y una década más tarde, en 1956 después de el terremoto de Gujarat los artesanos del ajrakh habían comenzado a usar principalmente tintes químicos, ya que era fácil de imprimir y se hacía de forma más rápida.

Alrededor de 1972 mi abuelo Mohammad Bhai Siddiki comenzó a enseñar a mi padre y a mis tíos la estampación usando tintes naturales, pues estaba preocupado por su desaparición frente a los tintes químicos. Gurjari, una iniciativa del gobierno también alentó nuestro trabajo con tintes naturales y hemos visto un aumento en la demanda de nuestro tejido con teñido natural. Poco a poco empezamos a enseñar a otros artesanos en el pueblo el proceso de estampado ajrakh con el uso de tintes naturales.

¿Qué colores se utilizan? ¿Con qué materiales se trabaja?
El ajrakh con tintes naturales es un proceso complejo, usamos taninos, mordientes, y colorantes. Seguimos usando ingredientes muy tradicionales como el myrobalan, cal, hierro oxidado, jaggery, alumbre, harina de semilla de tamarindo, harina de garbanzo, arcilla roja, harina de mijo, índigo, raíz de rubia, henna, ruibarbo, laca, cúrcuma. Pero en los últimos tiempos, hay ingredientes naturales como la Rubia cordifolia (indian madder) que cada vez son más difíciles de conseguir.

Con los años la receta para la preparación de nuestros colorantes sigue siendo la misma, pero el proceso de preparación ha sufrido un cambio. Antiguamente preparábamos nuestros tintes a mano y en pequeñas cantidades para satisfacer la demanda local de los Maldharis. Pero con el aumento de la demanda de ajrakh, el tinte natural se prepara utilizando herramientas sencillas como licuadoras industriales, etc., y en cantidades bastante grandes. Por ejemplo, ahora utilizamos agua tibia y jabón suave en lugar de estiércol de camello para preparar el tejido antes de imprimir.

Sin embargo, uno de los mayores desafíos de la estampación ajrakh usando tintes naturales es la disponibilidad de grandes cantidades de agua. En Dhamadka y Ajrakhpur en Gujarat, cada año, el nivel del agua está bajando unos 6 metros, el pueblo y sus proximidades son tierras áridas. En los últimos tiempos, los artistas de la localidad, junto con el gobierno y la ONG Khamir se han unido para crear una unidad de reciclaje para resolver eficazmente este problema del agua, lo que supone una grave amenaza para el ajrakh.

Tradicionalmente el ajrakh se estampaba en algodón, pero ahora se utiliza algodón y sedas de Gujarat, Andhra Pradesh y Bengala Occidental.

Usted ha recibido el Premio Nacional de Artesanía de India en 2009. ¿El gobierno tiene ninguna distinción o protección para los tejidos hechos siguiendo la técnica tradicional? ¿Cree que sería útil para el mercado?
En India hay una gran cantidad de iniciativas gubernamentales que apoyan a los artesanos que siguen las técnicas tradicionales como el ajrakh, se llevan a cabo exposiciones de artesanos como nosotros a las que asisten visitantes de todo el país. Muchas de estas exposiciones también proporcionan una plataforma para que los artistas realicen talleres demostrativos. El gobierno de la India en los últimos años también ha apoyado una gran cantidad de artistas jóvenes que optan por seguir las técnicas artesanales tradicionales en todo el país. Aparte de las iniciativas del gobierno, hay muchas organizaciones no gubernamentales y escuelas de diseño como el Instituto Nacional de Diseño que regularmente organizan exposiciones y talleres para los artistas.

Usted participa en exposiciones internacionales y hace talleres para mostrar esta técnica fuera de la India. ¿Qué países ha visitado ? ¿Quiénes son sus clientes dentro y fuera de la India?
He asistido el Mercado Internacional de Arte Popular de Santa Fe, en EE.UU., he expuesto y he impartido talleres en Londres, Reino Unido, así como en Frankfurt, Alemania.

¿Cómo ve el futuro del ajrakh? ¿Hay personas jóvenes (artesanos o diseñadores nuevos) interesados en este arte?
Hay un enorme mercado en la India y en el extranjero para el ajrakh. Si seguimos utilizando las técnicas tradicionales y somos capaces de innovar nuestros diseños, el ajrakh tiene un futuro brillante.

Vestido teñido con mordientes y reservas.

Diseños actuales.

Fuentes y más información:

Puede verse todo el proceso del ajrakh en el siguiente enlace:
https://artsandculture.google.com/exhibit/gRrCWltW

Sun, Fire, River, Ajrakh: Cloth from the soil of Sindh, https://www.youtube.com/watch?time_continue=3&v=mZmwyVHbeIU

Sahapedia:
https://www.sahapedia.org/

Fotos:
Cathy Scholl: https://cathyscholl.com
Sahapedia: https://www.sahapedia.org/ajrakh-1
Meena Kadri: https://www.flickr.com/photos/meanestindian/
nevil zaveri: https://www.flickr.com/photos/nevilzaveri/
Olivier & Pascale Noaillon Jaquet: https://www.flickr.com/photos/orientalis/

Shindigo y The Little Indigo Museum

Este verano visitamos The Little Indigo Museum en Miyama, prefectura de Kioto, Japón y tuvimos el placer de conocer Hiroyuki Shindo su creador.

Shindo, trabaja el teñido con índigo natural mediante técnicas tradiciones, como el shibori (técnica de diseño de patrones por reservas mediante anudados, cosidos y pliegues) y otros tipos de reserva, que reinventa en sus obras de pequeño y gran formato.

Su encuentro con el índigo fue como estudiante en Kyoto City University of fine Arts a finales de los 60 y tuvo como maestro a Motochiko Katano, un artista de shibori de Nagoya, último miembro de una larga saga de artesanos. Desde entonces Shindo ha trabajado para mantener este arte vivo. Sus obras que han sido expuestas en EE.UU., Reino Unido, Holanda y Canadá, estableciéndose como uno de los artistas contemporáneos más reconocidos a nivel internacional trabajando las técnicas del índigo natural.

Miyama. Prefectura Kioto.

Casas con techo de paja.

La naturaleza en el arte japonés

Miyama es una zona rural remota, con pequeños pueblos y aldeas diseminados a lo largo de sus estrechos y sinuosos valles. Abundan los bosques de pinos, hayas y cedros, en su término se encuentran el Aishu Forest, el bosque primario más grande del oeste de Japón, la cascada de Rennyo y el río Yura.

Un increíble espacio natural venerado tanto en los templos budistas como en los santuarios sintoístas que se pueden encontrar en la aldea y en medio de la montaña. Es un lugar muy visitado en la época de los cerezos en flor y no es difícil imaginar el efecto de los cambios de estación en las laderas de sus montañas.

Nos ha gustado esta frase de Sophie Vent en el número Japan Blue de la revista Selvedge: “En Japón, un país basado en el budismo zen, observar el cambio de las estaciones es comprender el milagro de la vida. El término kensho, literalmente significa »ver la naturaleza’, es comprender nuestro verdadero ser a través de la observación del mundo que nos rodea. La lucha por expresar esta belleza natural ha sido el foco del arte de Japón a través de la historia…”

Tratar de hablar de la naturaleza en el arte japonés son palabras mayores, sobre todo para un occidental, pero no queríamos dejar de escribir unas palabras.

En el sintoísmo, la religión nativa de Japón, los kami, espíritus superiores vinculados con la naturaleza velan por la armonía y el bienestar; no hay que olvidar que Japón por su situación geográfica está permanentemente amenazado por terremotos, volcanes, tifones y maremotos. El hombre forma parte de esa naturaleza divina y debe contribuir a mantener esa armonía con su comportamiento. Este respeto y veneración por todo lo que les rodea fue asimilado por el budismo zen importado de china, que aporta su actitud de estar en el momento presente a través de la meditación para conseguir un desprendimiento del yo hasta conseguir un estado total de vacío o unión con la naturaleza universal.

De este sentimiento surgen los conceptos de sabi, wabi, shibumi y yungen, que nos hablan de la espontaneidad, la belleza sencilla y austera, lo rústico, el gusto por los materiales naturales, la moderación, la intimidad, el distanciamiento, el misterio o el sugerir en vez de mostrar.

Estos conceptos impregnarán muchas vertientes de la cultura japonesa, como los haikus en la poesía, el sumi-e en la pintura, ikebana en el arte de los arreglos florales, la ceremonia del té, y también en el arte de los textiles.

Estudio índigo.

El estudio-taller de índigo

El conjunto formado por el pequeño museo del índigo, el estudio-taller de Shindo y su vivienda, están situado en la aldea de Kita, conocida por sus tradicionales casas con techo de paja (kayabuki) de la época Edo (1603-1867).

En un día soleado, Shindo, nos recibió amablemente en su estudio, un lugar inspirador, lleno de magia y serenidad. Una visita que sin duda no olvidaremos y agradecemos sinceramente.

El taller ubicado en la planta baja de la casa es un ejemplo de los talleres de índigo tradicionales de los que ya quedan pocos, construido en madera e iluminado con luz natural difusa y cierta penumbra, nada más entrar la primera sensación es el fuerte olor a índigo de las tinas situadas bajo nivel del suelo en grupos de cuatro.

Shindo trabaja con índigo natural fermentado (sukumo) y tinas orgánicas a base de ceniza, lima, salvado y sake. Para los que no conozcan el índigo, para que éste penetre en las fibras necesita una tina con componentes alcalinos y reductores de oxígeno que produzcan las reacciones químicas necesarias, todo un arte. Shindo nos muestra un gran recipiente donde destila el componente alcalino resultante de mezclar las cenizas de madera con agua, un paso fundamental en el proceso. Quema la madera en una estufa de leña que le proporciona ceniza para lejía, calienta la casa y la fumiga contra los insectos que de otro modo podrían acumularse en la paja de los tejados.

El arte del índigo natural es lento y requiere mucha dedicación, para conseguir un azul oscuro hay que repetir la inmersión en el tinte varias veces y mantener el blanco del tejido no es fácil. Las tinas de índigo orgánicas tienen sus leyes y requieren una estrecha relación a base de conocimiento, observación y cierta intuición para controlarlas. En Japón, como en otras culturas, veneran al ‘espíritu’ del índigo mientras trabajan con él, en este caso Aizen Shin vela por una saludable tina que dé un bonito color.

Para trabajar con el color y las fibras, Shindo ha inventado toda una serie de herramientas técnicas para conseguir reservar el blanco de sus diseños, con ellos realiza sus obras que él llama Shindigo, como el tejido a rayas recién salido de la tina que nos muestra.

Okkochi. Hiroyuki Shindo

Arashi. Hiroyuki Shindo

Tsutsugaki. Reserva con pasta de arroz.

Nishike. Edad de oro de Arimatsu.

La exposición

En la planta superior expone una colección personal que ha ido adquiriendo en distintos países, como ajrakh de India, batiks de Indonesia, piezas africanas y una colección de muestras europeas.

El pequeño museo (pequeño en tamaño pero grande en contenido) también cuenta con una fantástica colección de kimonos, yukatas, rollos de tela, futones, etc, realizados con distintas técnicas tradicionales japonesas. El índigo fue un color muy popular en Japón en época Edo entre la gente común, ya que otros colores estaban reservados para la élite, por lo que se desarrollaron muchas de estas técnicas. Arimatsu a las afueras de Nagoya ente Kioto, la antigua capital y Edo actual Tokio, fue especialmente conocido por la calidad de sus trabajos en shibori, muchos de estos diseños evocan elementos de la naturaleza como el arashi shibori (arashi = tormenta) representa la lluvia o sekka shibori que representa los copos de nieve.

También hay piezas de katazome (teñido en índigo con reserva de pasta de arroz aplicadas mediante plantillas) y tsutsugaki (dibujo a mano alzada con reserva de pasta de arroz), kasuri (o ikat dónde el hilo es teñido antes de tejer) y una maravillosa colección de nishiki-e (grabados con madera tallada) de la época dorada de Arimatsu, entre otras.

Shindo también expone algunas de sus obras de gran formato, como la pieza tejida por él mismo con fibras naturales y realizada con una antigua técnica llamada okkochi, en la cuál, sobre un lecho de piedras, que actúan como reserva, el índigo penetra por capilaridad en un proceso de crecimiento orgánico. Esta técnica filmada en el 1997 por el francés Cristobal Zanartu puede verse en el siguiente vídeo titulado Textile Magicians, el vídeo también cuenta con obras de otros artistas japoneses que trabajan con fibras como Masakazu Kobayashi, Chiyoko Tanaka, Jun Tomita, Naomi Kobayashi. La obra de Shindo y la técnica okkochi, aparece a partir del minuto 44, aunque todo el vídeo es una joya.

Nos ha fascinado esta pequeña luciérnaga encontrada en Instagram de un trabajo de Shindo, pura sutileza. Esta, aparentemente simple, diminuta luciérnaga (hotaru) y su destello en la noche. Todo un haiku hecho con tela e índigo.

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Más información

The little indigo museum.
En su web: http://shindo-shindigo.com/
En facebook: ちいさな藍美術館 The Little Indigo Museum
En instagram: #hiroyukishindo, #thelittleindigomuseum

Información sobre Miyama y cómo llegar.
https://kyotomiyama.jp/

Museo Aritmasu Shibori.
https://shibori-kaikan.com/en/

Sobre estética japonesa.
Parkes, Graham, «Japanese Aesthetics», The Stanford Encyclopedia of Philosophy (Fall 2017 Edition), Edward N. Zalta (ed.). https://plato.stanford.edu/archives/fall2017/entries/japanese-aesthetics/

Características del arte de Japón. Gutiérrez, Fernando G.1967 https://repositorio.uam.es/xmlui/bitstream/handle/10486/6298/38064_3.pdf?sequence=1&isAllowed=y

Los caminos de rosas con Monse Calvo

El verano sigue siendo, en muchos casos, el momento de volver al pueblo, el propio o uno que nos buscamos de adopción. Aprovechando este retiro estival de la autora de la que hablamos hoy, nos hemos ido de excursión a visitar la exposición Tirando del Hilo de la tejedora Monse Calvo, en la Casa de los Salvajes de Cadalso de los Vidrios. Estuvimos el pasado 9 de agosto, en la visita guiada que nos ofreció la propia autora.

La Casa de los Salvajes tiene una llamativa fachada blasonada del barroco, en la que se ven dos grandes figuras humanas con un basto cada uno en la mano, los salvajes. Este edificio alberga la oficina de turismo una sala de reuniones, el archivo municipal, y además tiene una bonita sala de exposiciones, ni muy grande ni muy pequeña, un tamaño perfecto para mostrar esta selección de sus trabajos.

La autora ha sabido usar el espacio de la sala para que sus tejidos y tapices luzcan como piezas individuales, distribuyéndolas por series: un gran tapiz al entrar, los tejidos en telar de bajo lizo, los cuentos en tapiz, con una pieza en proceso como muestra, la serie de los camino de rosas, que nos ha gustado especialmente, y una pieza final de arte textil, con el que empieza a investigar.

No somos tejedores y no deja de asombrarnos la maestría y la concentración que debe suponer todo el proceso de montar un telar y seguir los patrones de un motivo, pero realmente no hace falta ser tejedor para apreciar la delicadeza de sus trabajos.

Con la exposición de Monse hemos descubierto algunas técnicas tradicionales que aún sin conocerlas nos resultan familiares. Como el ligamento llamado Camino de rosas, en la serie del mismo nombre, o el Cinturón de monje, en la pieza La bandera a mi manera, una interpretación libre de la bandera de la Comunidad de Madrid.

Camino de rosas. Monse Calvo

Cinturón de monje. Monse Calvo

Según nos cuenta Monse, «están hechos con una técnica tradicional que se llama Camino de rosas o rosas simplemente, es una técnica muy extendida en toda Europa y España, y como véis da unos resultados muy buenos en cuanto a viveza, dependiendo de los colores y los motivos. Esta técnica tiene distintos remetidos y distintos órdenes de pedaleo, por eso el tejedor puede aplicar su creatividad y reflejar su estado de ánimo del día que está tejiendo; es una técnica muy versátil y se pueden crear muchos motivos a inspiración de cada cual.»
También añade que era una técnica muy utilizada en la decoración de faldas y trajes.

Pero no sólo pudimos ver ‘caminos de rosas’ en su exposición. Aquí os dejamos otros detalles de mantas, alfombras y delicados chales de bajo lizo.

Camino de mesa. Monse Calvo

Chal de Monse Calvo

Manta para bebes. Monse Calvo

Chal de Monse Calvo

También le preguntamos por el título de la exposición:

Tu exposición se titula “Tirando del hilo”. ¿Qué crees que hay al final del hilo?, ¿lo has encontrado ya?
Buena pregunta, jeje. En mi caso puedo decir que es un hilo al que me agarré fuertemente hace muchos años, y que me aseguró mantener la ilusión en cada nuevo trabajo que hacía, también me ayuda a distraer la mente de las preocupaciones que la vida nos depara. De modo que el final del hilo puede ser ilusión, equilibrio y por qué no, felicidad por haber encontrado ese ‘hilo’.

La exposición está abierta hasta este viernes 17 de agosto.

Más información

El blog de Monse Calvo: Algolisela. Tejidos con alma: http://algolisela.blogspot.com/
En la página de la ACTM:
http://creadorestextiles.org/test/portfolio-item/monse-calvo-leon/

Para más información sobre la técnica del camino de rosas, podéis consultar este libro:
Margaret B. Windeknecht, Point Twill With Color-And-Weave, T. G. Windeknecht, 1989

Sobre la Casa de los Salvajes: https://pasionpormadrid.blogspot.com/2011/07/el-palacio-de-cardenas-o-la-casa-de-los.htm

Batiks de Bengala con Sumao Dutta

Conocimos a Sumao en El Festival de las Luces de Diwali, organizado por la Embajada de India en Madrid, un festival que simboliza el triunfo de la luz sobre la oscuridad, sin duda un buen escenario donde Sumao exponía su colección de batiks. Nos habló de Calcuta, su ciudad, y de Bengala, su estado, y de cómo allí se desarrolló esta tradición textil.

Los batiks de Sumao nos recuerdan la vinculación del arte indio con la naturaleza, la tierra y la vida rural. Como ejemplo, Sumao nos habla de los alpona, también conocidos como rangoli, esos diseños que suelen realizan las mujeres con pasta de arroz en muchas partes de India y en especial en el estado de Bengala.
«Estos alpona son diseños simples que fluyen libre y orgánicamente como la naturaleza, no es un diseño fijo sino que va creciendo, se empieza a hacer y se va rellenando de forma natural. Esto también tiene una influencia en batik y en todo el arte de la india en general.»

¿Como empezó tu relación con el batik?
Estudié diseño de moda en el Instituto Nacional de Tecnología de la Moda, en Calcuta. Allí exploré varias formas de arte y artesanías textiles tradicionales, entre las que estaba el batik, y durante el último semestre cuando tuve que crear mi propia colección conocí a mi amigo Kartik Manna, un artista de batik contemporáneo y con el que exploré más profundamente la técnica. A lo largo de los años he trabajado con él de vez en cuando y he obtenido una valiosa experiencia de primera mano.
El batik es algo muy cercano a mi corazón y es mi pasión, es un arte fascinante y hay tanta exploración por hacer, las posibilidades son infinitas.
Más tarde, trabajé con batik en los talleres de mi amigo en Santiniketan, conocí a las mujeres que son las que hacían los trabajos y también a numerosos artesanos que conservan diversos tipos de artesanías textiles. Como plan para el futuro, deseo ser una artista textil y de vestuario, que mantenga las tradiciones vivas, adaptándolas al mismo tiempo a los requisitos modernos y al gusto actual.

¿Cuándo empezó a desarrollarse el batik en Bengala, y concretamente en la escuela experimental fundada por Tagore en la localidad de Santiniketan?
India siempre ha tenido mucha artesanía textil, cada pueblo tiene su propia forma de arte, tiene su propias técnicas y sus motivos. Durante la colonización británica, los ingleses intentaron destruir esta diversidad para vender sus textiles industriales fabricados en Inglaterra con las materias primas de India, materias primas como el índigo que se producía en gran cantidad en Bengala.
Tagore, premio Nobel de literatura en 1913, viajaba por muchos países y era un hombre muy sabio, él pensó que una solución era revitalizar los pueblos, y no depender de las cosas importadas por los ingleses.
Tagore viajó a Java, Indonesia, y vio la forma de hacer batik en esos lugares, se inspiró en ellos para trabajar en su escuela de artes en Santiniketan. Aunque no puedo decir cuál es el origen del batik, hay personas que dicen que viene de India, de Indonesia o de África.
Con el tiempo, los bengalíes, como aman a Tagore como si fuera un dios y todo el arte en Bengala tiene cierta influencia de Tagore, querían mostrar su amor por él y los intelectuales empezaron a llevar saris con batik, en las fiestas de verano, año nuevo bengalí, en la festividad por el cumpleaños de Tagore.
En estos festivales de marzo y abril, la gente lleva batik con colores muy brillantes como amarillo, naranja, rojo, marrón, colores de la tierra que son muy favorables para la temporada de verano. El batik suele hacerse en algodón muy fino adecuado para el calor.
En seda se usan más el verde esmeralda, marrón oscuro, azul, negro, que son colores más para vestir elegante.

¿Qué materiales utilizáis para realizar el batik? ¿Cuál es el proceso en la creación del batik?
Usamos cera (parafina o cera de abejas), resina, cepillos, janting, tintes (sin metales Azo, Procion, índigo natural, etc.) Y textiles naturales, algodón, seda, lino…
Primero dibujas el diseño y vas cubriendo con cera las áreas reservadas para blanco, luego los colores más claros y por último los más oscuros. No es necesario hacer un baño de tinte para cada color, también puedes pintar. Al final quitas la cera.

¿Cuáles son los motivos que suelen representarse en estos batiks? ¿Son tradicionales o contemporáneos?
Tradicionalmente el batik mezcla mucha filosofía india, especialmente el batik de Santiniketan es muy figurativo y decorativo; por su naturaleza pictórica es una forma perfecta de representar muchos hechos del folclore, escenas de la mitología, religión, vida en el pueblo, etc. El batik de Santiniketan se ha hecho y utilizado mucho para tapices o piezas de decoración, pasando a ser una pieza de arte.
Hoy en día hay varios estilos de batik y muchos son contemporáneos, India tiene un trabajo de batik muy intrincado y sus propias historias con el color. Muchos diseñadores se están adaptando a los gustos modernos y creando estilos muy personales de batik. El batik es más un arte o pintura, y una vez que el artista aprende a manipularlo con su sensibilidad personal, se puede explorar como la pintura, solo que en este caso está pintando con cera y tintes, y en mi opinión con muy buenos resultados.

¿Cómo ves el presente y el futuro de estos batiks?
En los últimos años ha aumentado la demanda y la conciencia de las artesanías tradicionales, especialmente diseños modernos y únicos que utilizan la artesanía o fusión de artes, hay una nueva generación de artistas y diseñadores que mezclan su sentido global y peculiar de los diseños para crear su propio estilo. Mi amigo Kartik Manna es definitivamente uno de los pioneros en el escenario del batik moderno en la India y su trabajo ha sido exhibido en varias exposiciones, desfiles de moda, etc.

¿Quiénes son los clientes?
En la actualidad, los principales compradores son de clase media alta más elegantes y conscientes, muchos de ellos son clientes de artesanías tradicionales y desean mantenerse en contacto con su identidad india, y al mismo tiempo ajustarlo a estilos más globales.

¿Qué otros tipos de artesanía textil se dan en Bengala Occidental?
Tant, un tejido de algodón muy fino, jamdani, baluchuri, kantha, yute. Muchas.

Más información

Sumao Dutta

National Institute of Fashion Technology

Escuela de Artes de Santiniketan, ahora Visva-Bharati University

Estación Natura de Estela Sánchez en Producto Fresco 2018

Estuvimos con Estela Sánchez de Son de Telar en Matadero Madrid con motivo de la inauguración de Producto Fresco 2018, una exposición que pretende dar a conocer la actualidad del diseño de producto de Madrid, la muestra abarca desde los pequeños emprendedores hasta las grandes empresas.

Producto Fresco es una iniciativa de DIMAD, siglas de la Asociación Diseñadores de Madrid, ubicada en La Central de Diseño de Matadero y que pretende dinamizar el diseño hecho en la Comunidad de Madrid con la interacción de empresas, centros de enseñanza, administraciones públicas y diseñadores.

Estación Natura. Estela Sánchez / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

Estación Natura de Estela Sánchez, se enmarca en el criterio de valoración de Producto Fresco relacionado con proyectos respetuosos con el medio ambiente y la sostenibilidad del planeta.

Estación Natura consiste en una colección textil hecha a mano, con fibras naturales de origen vegetal como el algodón, el lino o el cáñamo, teñidas con tintes naturales también de origen vegetal como el índigo y la cáscara de nuez. El chal y la camisa han sido tejidas en telar de bajo lizo y el pantalón ha sido confeccionado con tejidos de cáñamo y lino orgánico.

Estela describe Estación Natura como una estación para quedarse, sentir el frescor de sus fibras, la comodidad de una prenda que se adapta al cuerpo y el compromiso con la Naturaleza.

Por hacer un poco de historia. ¿Cuánto tiempo llevas tejiendo y con quién has aprendido?
Llevo tejiendo unos 23 años y comencé en un taller que ya no existe llamado Yute, luego con Lala de Dios en su estudio Índigo Textil, y allí estuve 4 años, donde aprendí muchas técnicas de bajo lizo, también hice algo de alto lizo.

¿Cómo aprendiste a teñir con tintes naturales?
Pues desde pequeña (risas). Siempre he andado por el campo y veía como se teñían las bambas y esas cosas… En serio, empecé con Ana Roquero y luego aprendí mucho con Michel García que ha dado un vuelco importante a la forma de teñir con tintes naturales utilizando métodos sostenibles, como él lo denomina «la química verde». Ahora lo que me deja loca son los tintes con hongos, bastante más desarrollado en otros países y de aquí a nada dicen que los colores van a venir de las bacterias, eso me encantaría probarlo. Si esto no para, tu no paras, porque la curiosidad está ahí, otra cosa es que tengas los medios para hacerlo.

¿Tienes tu propio jardín tintóreo?
Tengo un poco, tengo tanaceto, tengo índigo, tuve persicaria, tengo cosmos, tengo algo de Isatis Tinctoria para hacer talleres de extracción, gualda, tajetes, reseda. Tengo plantas ricas en taninos…

Taller de extración de índigo con Isatis Tinctoria / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

¿Con qué materiales sueles trabajar? ¿Es fácil encontrar distribuidores?
Trabajo con fibras naturales lino, lana, seda, algodón. Me resulta difícil encontrar la fibra de algodón orgánico adecuada, las que he encontrado son fibras demasiado finas y se parten continuamente. Por ejemplo, el cáñamo con el que estoy trabajando ahora, sí se encuentra en fibra fina para tejer. En lana se encuentra algo más.

Yo utilizo una lana merina muy suave, de Italia.

¿Cómo ves el uso de los tintes naturales aplicados a la industria de la moda?
De una manera muy limitada, sólo pequeños talleres como el mío o similares pueden hacer este tipo de producción. Evidentemente no se puede competir con las grandes industrias, este un espacio muy nuestro, y me refiero a artesanos que tejemos, estampadores, … es un trabajo lento y no encaja con la rapidez que requiere la moda rápida.

¿Qué te aporta llevar una prenda de estas características?
A mí personalmente me aporta seguridad, seguridad en lo que llevo. También me aporta una interrelación con la persona que ha hecho la prenda, sé cómo ha trabajado, de qué manera ha hecho las cosas. Esa interrelación es algo que valoro y me hace valorar la prenda.

¿Crees que este tipo de ropa tejida y teñida a mano puede cambiar nuestra relación con la ropa?
Por supuesto, y se ahorraría energía porque cuidaríamos más la ropa, lavarías a mano o con programas cortos, sin centrifugado. Establecemos otra relación, además los tejidos vegetales son resistentes y no necesitan tantos cuidados, por ejemplo, el cáñamo. Nuestros clientes saben lo que quieren, se trata de cambiar el concepto de lo que es vestir.

¿Crees que hay apoyo institucional para artesanía textil?
En cuanto a formación en Madrid está la escuela de textil en la Escuela de Arte 10, hacen un poco de todo telar, bolillos… pero hay poco apoyo. La gente me pregunta ¿dónde puedo aprender a tejer? No hay una infraestructura con por ejemplo 5 telares y de varios tamaños donde puedas aprender a tejer a cualquier edad. Por ejemplo, aquí en Matadero, sería fantástico que hubiese una nave dedicada a telares y tintes para creación textil, como un gremio, una estructura maravillosa.

¿Qué esperas de esta exposición?
Pretendo dar visibilidad a estos trabajos.

Son de Telar

Son de Telar es el estudio de Estela Sánchez, si queréis saber más sobre ella, su trabajo y sus talleres de tintes naturales, podéis visitar su página web: http://www.sondetelar.com/

Son de Telar pertenece a la Asociación de Creadores Textiles de Madrid, ACTM.

Producto Fresco 2018

Otros productos textiles que hemos podido ver en Producto Fresco 2018 son los pañuelos Palapa de Teresa Ferrán Valero, la alfombra de Paula Sanz Heras producida por NOW Carpets, los bolsos de Marta Pascual Caballero producido por Ellas lo bordan y el fantástico muñeco para abrazar Cotton Friend de Vanessa Soria Lima

In Transit. Marta Pascual Caballero / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

CottonFriend. Vanessa Soria Lima / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

Pañuelos Palapa. Teresa Ferrán Valero / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

Alfombra Own. Paula Sanz Heras / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

Central de Diseño. Producto fresco 2018 / foto: telasdelmundo.com (CC BY-NC-SA 3.0 ES)

Podéis consultar la lista completa de seleccionados de este año, y años anteriores, en la web de Producto Fresco. La exposición, que está abierta en la Central de Diseño hasta el 5 de agosto, tiene asociada algunas actividades que podéis consultar en la web.

Moda Sostenible

La colección de Son de Telar bien podría enmarcarse bajo los principios de moda sostenible, por su producción artesanal y los materiales que utiliza.

El movimiento Fashion Revolution, surge a raíz de la tragedia en el edificio Rana Plaza en Bangladesh en 2013, en la que murieron 1138 trabajadores de la industria textil.

Con relación a este movimiento surgen distintas iniciativas que pretenden visualizar y promover sus principios, apostando por una moda más ética elaborada de forma responsable y con tejidos orgánicos menos agresivos para el medio ambiente y para nuestro cuerpo.

Moda sostenible es un concepto muy amplio y difícil de delimitar, más orientado a la industria, pero en el que, por principios, tienen cabida los artesanos textiles.

De momento os dejamos algunas de estas plataformas y asociaciones que pretenden poner en contacto proveedores y creadores, promover ferias, sensibilizar y compartir información, y esperamos poder profundizar en este tema más adelante:

Ferias que incluyen moda sostenible a nivel nacional como Momad o Biocultura, e internacional, como Ethical Fashion Show de Berlín.
Asociación de Moda Sostenible de España. AMSE
The Circular Proyect
Slow Fashion Next
Planeta Moda (Asociación Vida Sana)
Plataforma de Moda Sostenible de América Latina, MOLA
Moda sostenible Barcelona
Ecovamos. Directorio de Moda Sostenible en España

Bingata con Yoko Kataoka

Las creaciones de Yoko Kataoka son coloridas y alegres, nos transportan a lugares lejanos en los que nos gustaría vivir por temporadas. Sus dibujos nos narran historias cercanas contadas en voz baja, usando la técnica del bingata. Conocimos a Yoko Kataoka en uno de sus talleres, para aprender de su mano esta técnica centenaria, y le hemos hecho unas preguntas para que nos cuente…

¿Puedes hacernos un breve resumen del origen del bingata?
Bingata es una técnica de estampación artesanal del siglo XIV, originalmente era usada para la ropa de la realeza del Reino de Ryukyu (actualmente Okinawa).

¿Por qué una chica del moderno Tokio, decide dedicarse a una técnica tradicional de estampado como bingata?
Ya con 17 años me sentía un poco cansada y aburrida de la vida en la gran ciudad, quería una vida más sencilla y con un ritmo más lento. En una exposición de tesoros nacionales en el Museo Nacional de Tokio vi unos kimonos antiguos de bingata, fue un amor a primera vista con esas telas estampadas tan preciosas y coloridas!
Luego empecé a buscar cómo aprender y mi padre se enfadó un montón al saber de mi idea de irme a una isla tan lejos de casa.

¿Esta técnica se realiza en otras partes de Japón, aparte de Okinawa?
Bingata es un genero de katazome (estarcido con plantillas) y puedes encontrar katazome en diversas partes de Japón. La característica más destacada de bingata es que utiliza principalmente pigmentos y estampa varios colores en sola una plantilla. Bingata es una técnica muy elaborada y realizada solamente en Okinawa.

¿Qué materiales se utilizan: tejidos, colores, fijadores…?
Las telas más habituales son seda, cáñamo, bashofu y algodón.
Se utilizan pigmientos, tintas, harina de arroz, salvado de arroz, sal, papel pintado con zumo curado de caqui, alga funori, etc.
Como fijadores, se usan soja y mordientes para tintas.

¿Cuáles son los motivos tradicionales?
Antiguamente, el Reino de Ryukyu era un punto comercial muy importante entre China y Japón. Por esa razón, los motivos tradicionales tienen una fuerte influencia de China, como el dragón o el faisán, y de Japón, como la flor del cerezo o la nieve, que en realidad no existen en Okinawa por su clima tropical.

En tu obra, ¿qué temas te inspiran?
Mi inspiración viene de los días cotidianos, así que actualmente de mi vida rural en Cataluña. Estoy inspirada por la naturaleza, por la vida y dejo volar mi imaginación cuando diseño las plantillas. Me gusta sentir las cuatro estaciones y disfrutar de las cosas de cada temporada. Espero que mis estampas traigan buen humor y sonrisas, añadan colores alegres a la vida de las personas que las usan o tienen.

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¿Dónde aprendiste esta técnica? ¿Quiénes han sido tus maestros?
Aprendí en la Universidad provincial de las Artes de Okinawa. Tuve maestros de Kyoto, como los señores Toshihiko Isa y Noritoshi Nagao, que me enseñaron mucho sobre katazome y diseño textil. De bingata tuve la suerte de aprender de los señores Shotaro Kinjo y Eijun Shiroma, que son unas de las personas más importantes en la recuperación de esta técnica después del gran daño que supuso la Segunda Guerra Mundial. Me enseñaron no sólo la técnica paso a paso, sino también la elaboración de las herramientas como brochas, tubo de tsutsugaki, tabla de corte, etc.

¿En qué consisten los estudios, cuántos años son?
Es una licenciatura en Bellas Artes y Diseño Textil de 4 años. Durante el primer año se aprenden varias técnicas de expresión artística como pintura, escultura, cerámica, estampación, teñido y tejido. En el segundo año se profundiza en las técnicas textiles de estampación, tejido y teñido. Los dos últimos años se dedican exclusivamente al diseño textil y a la estampación.

¿Se estudian otras técnicas textiles en la misma escuela?
Sí, aprendí varias: estarcido, batik japonés (roketsu), yuzen, shibori, kasuri y soshiki. También tintes naturales de hilos y telas, teñido con índigo, etc.
Vinieron maestros de cada especialidad para enseñarnos.

¿Se sigue utilizando esta técnica? ¿Qué salidas profesionales, o qué futuro tiene?
Los artesanos de bingata mayoritariamente se dedican a elaborar obis y kimonos. También estampan furoshikis, tapices y ropa de bailes tradicionales de Ryukyu, piezas pequeñas para recuerdos de Okinawa, etc. Ahora cada vez hay más variedad de productos hechos con bingata. No es una técnica muy productiva, pero cada vez más hay gente que valora este tipo de trabajo artesano hecho a mano. Y el bingata se está abriendo al mercado, hay artistas y artesanos de bingata contemporáneo con sus propias firmas.

¿Se puede vivir de ello? Cuéntanos tu actividad profesional respecto al bingata.
Yo al llegar a los 40 años, decidí dedicarme solamente a la estampación e intentar vivir de ello. Hasta entonces siempre había combinado varios trabajos parciales, y tenía la sensación de que si sigo trabajando así de variado me quedaba en todo a medio camino.
Hace 5 años que empecé a impartir talleres de bingata, porque una amiga me animó y me organizó el primero en su taller, y pude ver el interés que hay aquí. Supongo que porque es una técnica sostenible, muy diferente, relajante y sobre todo, una experiencia muy bonita. En realidad, yo también aprendo mucho enseñándola y disfruto de compartir la experiencia y llegar de conocer a personas creativas. Aún estoy en camino y profesionalizando paso a paso, trabajando para cada oportunidad que me llega.

Si tenéis la suerte de estar en Londres en julio, podéis ir a vistar su exposición titulada The Uraraka Way en la Sway Gallery:
The Uraraka Way
by Yoko Kataoka
28.06 — 16.07.2018
Sway Gallery
70-72 Old Street
London

Y si buscas unas vacaciones creativas, talleres de Estampación Japonesa Bingata para este verano.

http://www.yokokataoka.net/2018/06/summer-workshop-2018.html

Más información

http://www.yokokataoka.net/

Piña-Seda. Fibras de hojas de piña y seda de los trópicos.

Gracias a la colaboración de la Real Fábrica de Tapices de Madrid con la Embajada de Filipinas, tuvimos la oportunidad de conocer los delicados tejidos y bordados de piña y seda desarrollados en Filipinas.

La fibra extraída de las hojas de la piña (variedad piña roja española), una fibra muy fina y corta, que se rompe con facilidad, es combinada con la suavidad y resistencia de la fibra de seda, mucho más larga. La fibra de seda se usa en la urdimbre y la de piña en la trama.

Esta combinación emana elegancia y una gran delicadeza, muy apreciada por la élite urbana durante el periodo colonial español. Los tejidos de piña y seda tienen un color y un lustre especial a la vista, que los hace muy atractivos, además son ligeros y frescos, muy adecuados para el clima caluroso y húmedo, ya que además la piña tiene muy buen comportamiento ante la humedad ambiental.

En la actualidad las autoridades del gobierno visten los trajes nacionales bordados y tejidos con fibra de pura piña o piña-seda.

En la exposición pudimos conocer a tejedoras de piña seda de Kalibo, Aklan como Nelia Rogano y bordadoras como Magdalena Rosales y Marilyn M. Tobias, de Lumban, Laguna.

Magdalena Rosales, Nelia Rogano y Marilyn M. Tobias.

Lyn Liza C. Silva y Anna India Dela Cruz

Hablamos con Sra. Anna India: Sra Anna India Dela Cruz, promotora del tejido piña-seda y propietaria de Heritage Arts And Crafts de Kalibo, y con Lyn: Lyn Liza C. Silva, investigadora en el Museo Nacional de Filipinas.

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TdM: ¿Cómo aprendiste la técnica y a qué edad?

Sra. Anna India: Todo comenzó cuando estudiaba pintura oriental sobre seda, mi abuela me mostró 10 metros de tela de piña 100% que tenía guardada. Estaba tan fascinada con el tejido y con la idea de tener un textil tradicional y único en Kalibo, que me propuse el reto de utilizarlo como lienzo para mi pintura y así intentar revitalizar esta fibra. Más tarde recuperé muchas cosas entorno a este tejido, que ya no estaban en producción.

Comencé en 1967, no había visto nunca tejer a mi abuela porque migramos a Manila, pero cuando regresé a Kalibo para convertirlo en mi hogar permanente, recuperé muchos productos y desarrollé otros nuevos, entre ellos el tejido de piña-seda, que comencé en 1987, luego hice muchas combinaciones de algodón, seda texturizada…, combinándolos con nuestros bordados.

TdM: ¿Todavía había tejedores cuando comenzaste a revitalizar el tejido?

Sra. Anna India: Sí, durante la época del presidente Marcos se hicieron esfuerzos para revitalizar el bordado y el tejido de piña, más tarde, durante el gobierno del presidente Ramos, la primera dama se centró en las artesanías tradicionales de todo Filipinas y su promoción llevándolas a la feria de París en 1998.

Mi familia se dedicaba al comercio y cuando regresamos a Kalibo no había prácticamente producción por lo que nos dedicamos a desarrollar tejidos no sólo de piña sino también de abacá (fibra de plátano) y combinaciones seda y abacá, seda y algodón, seda y piña. Muchas cosas.

TdM: ¿Cómo se organiza el trabajo. Trabajáis en un taller, o cada artesano trabaja en su casa?

Sra. Anna India: Hay centros como Cooperativas y Asociaciones con talleres adaptados, pero cuando la gente se casa, todos los telares se envían a sus casas porque no pueden permitirse ir al centro a tejer porque tienen hijos a los que atender, por lo que tejen en su casa.

TdM a Lyn: Tu perfil es de investigadora, pero ¿también tejes?

Lyn: A veces, sí. En realidad, comencé a tejer cuando entré a trabajar en el Museo Nacional en 2015, para entonces ya hacíamos demostraciones de tejido en Manila, invitamos a tejedores de otras provincias, y comenzó a gustarme, pensé ¿Puedo probar esto? ¿Puedes enseñarme cómo hacer esto? Entonces comencé a tejer, y ahora estoy centrada en los textiles. No soy profesional, sé un poco acerca de cómo funciona este telar, aquél, etc., sobre el proceso.

Pero no tejo en telar de cintura, sólo con el telar de pedales. Es muy difícil, es muy duro, no puedes moverte, porque una vez que se mueve la tensión se afloja. Entonces necesitas tener la espalda rígida para la correa trasera. Es una técnica muy diferente porque los hilos suelen estar ya teñidos y listo el patrón.

TdM: ¿Cuál es la diferencia entre tejer piña y otras fibras?

Lyn: El algodón es una textura diferente, más suave, con hilos más grandes. Tejiendo algodón, no tienes que ser muy delicado porque no se rompe fácilmente. Cuando estuve investigando la industria algodonera en el norte de Filipinas, La Unión, en la isla de Luzón, vi que producen unas diez mantas gigantes, por día. Pero con la piña sólo puedes hacer la cuarta parte de una manta al día. Y con piña-seda, dos metros. Porque es muy delicado y muy fino. Se rompe fácilmente.

Nelia Rogano en una demostración de telar con tejido de piña-seda

TdM: ¿Quiénes son tus clientes?

Sra. Anna India: Tenemos clientes de Japón. Ahora, China está interesándose en la piña real, porque hicieron piña falsa, la llaman piña, pero es poliéster o seda con estampados. Y también tenemos clientes en Colombia, en menor volumen.

En los Estados Unidos, lo que piden más son paneles para decoración, pero es una mezcla de, por ejemplo, abacá y seda, para los paneles, piña con seda para cortinas de alta gama.

TdM: ¿Combinas la piña con fibras sintéticas también?

Sra. Anna India: A veces combinamos una pequeña parte con poliéster para determinados tejidos para darles más textura. Pero a los japoneses no les gusta el poliéster, a lo mejor algo de rayón, pero les gusta algo más puro. También tejemos los bastos, la fibra áspera de la piña. Y lo usan para el obi.

Lyn: En realidad, los clientes también son el cliente filipino. Los diseñadores de moda, y, al igual que nosotros, los empleados del gobierno, porque se nos exige usar ropa tradicional formal, al menos una vez a la semana.

Sra. Anna India: Para apoyar a la industria.

Lyn: Todos los lunes. Es una ley de fibras tropicales, requiere que todos los empleados del gobierno usen fibras tropicales. No solo piña, también abacá, algodón, o cualquier cosa producida en las Filipinas, todos los lunes para mostrar el apoyo a la industria nacional. Y luego nuestro presidente usa el barong, que es una vestimenta formal tradicional, para todos los funcionarios del Gobierno como en la inauguración de esta exposición, todos vestían piña.

TdM: ¿Hay gente joven interesada en tejer?

Sra. Anna India: En nuestra provincia, hay un pico de producción, hemos aumentado el número de trabajadores durante el tiempo del presidente Ramos, porque estamos celebrando los cien años de la Revolución y todos querían llevar fibras tradicionales, de las sesenta personas que había trabajando, todas mayores, hemos pasado a ser unos 10.000 para las celebraciones.

TdM: ¿Ves un buen futuro para la industria?

Sra. Anna India: Sí, es más, no dejamos de desarrollar nuevos tejidos y productos, porque de lo contrario la tradición quedaría estancada y moriría. Tenemos que ir con lo contemporáneo, también combinarlo con otros materiales.

Lyn: Aún se mantiene lo tradicional. Producen productos innovadores para acompañar el flujo económico, pero la tradición se mantiene.

TdM: ¿Todavía hay personas que hacen este tejido para su propia ropa, no para la venta?

Sra. Anna India: Algunos, pero a veces prefieren venderlo en lugar de usarlo porque es económicamente bueno.

Lyn: Es económicamente bueno porque un chal cuesta mil pesos o más. Y si lo tienes bordado a mano cuesta más, si es hecho a máquina es un poco más barato. Así que pueden guardar uno para el escaparate, para demostraciones.

Sra. Anna India: En este momento, tengo un reto, cuando estuvimos en Lisboa, nuestro embajador nos preguntó si podíamos desarrollar algo para el invierno. Así que ahora éste es mi desafío.

TdM: Habéis estado en Madrid durante diez días, ¿habéis visto algo que os haya llamado la atención especialmente?

Sra. Anna India: Fuimos al Museo de Antropología, y hay una exposición de Filipinas en la planta baja, me hizo sentir muy orgullosa.

Lyn: Sí, son barong, el traje tradicional, con un fino calado, que es muy diferente de lo que estamos haciendo ahora.

Estuvimos en el Museo del Traje, solo visitamos la colección permanente porque no teníamos mucho tiempo, pero fue una inspiración para nuestra galería textil, un sitio donde tener todo el material y las actividades concentrados.

TdM: ¿Al finalizar la exposición, regresáis a Filipinas o váis a otro país?

Lyn: Regresaremos a Filipinas mañana, pero otro equipo del Museo Nacional irá a los Estados Unidos, dentro de dos semanas. Tres áreas: Washington DC, Nueva York y luego a Hawai. Y después, Francia. Tenemos muchos planes para esta muestra itinerante, porque es la más sencilla para que viaje. Esperemos que la próxima vez sea más grande con diferentes fibras, más ampliada.

TdM: Para terminar. ¿En Filipinas se usa el índigo como tinte tradicional?

Lyn: En el norte de Filipinas, en Abra, cultivaban y se teñía con índigo y otros colores naturales también, antes del período español, también se extraía índigo en la región de Ilocos. Tenemos la misma planta que en India.

En este momento tenemos una fundación que apoya a los agricultores de índigo, y estamos estudiando las técnicas que nos enseñaron los japoneses. También tenemos otra planta que produce un color índigo pero es de una planta diferente, produce un color azul-negro.

Sra. Anna India. En la época de la colonia española, Filipinas era productor de índigo para la exportación, pero todo desapareció.

Lyn: Esto es lo que estamos investigando ahora, descubrimos tinas de índigo muy grandes, pero ya están abandonadas.

Sra. Anna India: Nosotros comenzamos con el tinte natural para la piña, los tejedores buscaban plantas para teñir en nuestra provincia pues creíamos que había. Entonces hubo un gran tifón y cuando subimos a las montañas a ayudar a la gente, cruzamos un río, y descubrimos que la Indigofera estaba creciendo en las orillas. Así que ahora existe un área con agricultores que están produciendo índigo en polvo.

Más información y enlaces:
Piña-Seda: Fibra de hojas de Piña y Seda de los Trópicos
Del 24 de mayo al 21 de junio de 2018
Real Fábrica de Tapices
c/Fuenterrabía, 2
Madrid
+34 91 434 05 50

Museo Nacional de Filipinas

El silencio de las mujeres, conferencia de Pauline Duponchel.

Como parte de la exposición del Groupe Bogolan Kasobané en la Casa de Vacas del Retiro, en Madrid, comisariada por la pintora Irene López de Castro, asistimos a la conferencia titulada El silencio de las mujeres. Lenguaje ancestral del Bogolafini, de Pauline Duponchel, que realizó su tesis doctoral sobre el lenguaje de los diseños de estos paños.

La palabra bogolán se refiere a la técnica de pintura en los taafe, paños rituales u ornamentales de las mujeres, los bogolanfini, término bamana que quiere decir: el resultado del barro en la tela.

Pauline Duponchel, de blanco, nos enseña un *taafe* de bogolán.

Según Pauline, tradicionalmente estos taafe era realizados por las mujeres de la aldea, que aprendían la técnica de sus madres generación tras generación. Estos paños pasaban de madres a hijas, las cuales iban descubriendo el significado de los diseños según iban creciendo y eran lo suficiente mayores para comprenderlos.

El lenguaje ancestral que transmiten los diseños y motivos de estas telas es un lenguaje formado por ideogramas creado por ellas mismas, en ellos transmiten el conocimiento de la tierra, advierten de los peligros que pueden encontrar a lo largo de la vida y alejan la maldición, o sirven de amuletos contra las enfermedades e infunden valor para las tareas de cada día.

Estos paños adquieren un significado religioso, de protección spiritual y protección física transmitida por la intención con la que está hecho. Las mujeres adquieren así un papel de “médium” entre la naturaleza y los dioses. Los motivos decorativos surgen del conocimiento profundo que tienen estas mujeres de la tierra y los peligros que entraña.

Según Pauline estos paños de barro ayudan a recuperar el equilibrio natural a la persona que lo viste, se le atribuye propiedades de protección por las advertencias de sus diseños y curativos por las propiedades de los materiales naturales de los que están hechos.

Estructura de las telas

La tela se enrolla alrededor del cuerpo a modo de falda. De manera que la parte horizontal superior (3) y un lateral (1) quedarán ocultos, por lo que suelen estar menos trabajados y sólo serán vistos en la intimidad.

En los trabajos tradicionales es importante resaltar el diseño en negativo, de manera que los motivos destacan en blanco sobre un vacío negro. Esto dificulta enormemente el trabajo, requiriendo mucha práctica, paciencia y precisión.

Motivos

El significado de los diseños surge de un análisis de la persona para la que se está haciendo el paño, el conocimiento de la naturaleza, los animales, y las amenazas de la vida.

Algunos ejemplos son la línea: el camino recto, la conducta adecuada, el círculo con un punto en medio: la alegría del hogar, la piragua voladora: el avión, y otros de alerta de peligro como las huellas de camello, el chotacabras que puede matar a un niño, el cruce de caminos, el hombre seductor.

Característicos son también los pequeños puntitos que simbolizan cacahuetes, un cultivo de mujeres que representa, por tanto, la riqueza de las mujeres y que suelen situarse en la parte superior y en el lateral interior reservada al a intimidad del hogar. Este patrón a base de pequeños puntos también se asemeja a el collar de conchas que llevan las mujeres anudado a la cadera reservado para deleite en momentos de intimidad.

Hoy en día no es un trabajo exclusivo de las mujeres, al entrar la comercialización de estos paños, muy apreciados en la decoración de mobiliario, los hombres también realizan estos trabajos.

Bibliografía

Catálogo de la exposición en Casa de Vacas, Ayuntamiento de Madrid:
Groupe Bogolan Kasobané. La pintura de barro en Mali, arte y transmisión del saber en el bogolán. Murcia: Asociación Proyecto África Amigos de Mali, 2018. ISBN: 9788409013319

Pauline Duponchel. Textiles Bògòlan du Mali. Neuchâtel: Musée d’Ethnographie, 2004.

(arriba)

Exposición del Grupo Bogolán Kasobane

Groupe Bogolan Kasobané, 2005 ~ © Jane Goldner

En la segunda exposición, de la que os hablábamos en el artículo anterior, son protagonistas absolutos los artistas del colectivo Grupo Bogolan Kasobané, de Malí, creado en 1978 por seis estudiantes del Institut National des Arts du Mali, que son: Kandioura Coulibaly, fundador del grupo, fallecido hace un par de años, Kletigui Dembelé, Boubacar Doumbia, Souleymane Goro, Baba Keita, y Nené Thiam, la única mujer y actual presidente del grupo. Con ellos hemos tenido la suerte de participar en un taller para aprender la técnica del bogolán y nos hicieron de guía en una visita a su exposición de Casa de Vacas.

Esta exposición ha sido creada gracias a la pintora Irene López de Castro que a principio de los 90 viajó a Bamako y conoció al fundador del grupo creando fuertes lazos de amistad, han pasado casi veinte años pero al fin podemos disfrutar en España de la exposición que nos muestra lo ancestral y lo contemporáneo de este arte de Mali. Podéis seguir la historia en este artículo del País.

Este grupo de artistas comenzó a investigar la tradición del bogolán, no sólo como técnica pictórica para luego aplicar a sus creaciones, sino también como forma de expresión de las mujeres que lo practicaban para su indumentaria, como en los taafe, unas prendas llenas de narrativa con la que transmiten mensajes a través de su simbología.

En la exposición podréis ver una pequeña muestra de estos taafe en la primera parte, que sirve de introdución a la tradición del bogolán. En la parte central veréis el trabajo del grupo Bogolan Kasobané, como colectivo de arte contemporáneo y en la tercera, la influencia del grupo en otros artistas internacionales que también se han apropiado de la técnica o la simbología del bogolán maliense. Cada una de las piezas tiene una fuerte carga narrativa, pero no os preocupéis porque están todas explicadas en las cartelas que los acompañan y en el estupendo catálogo que ha publicado la Asociación Proyecto África Amigos de Malí, para esta ocasión única.

Como veréis en la página web hay una serie de actividades relacionadas, todas muy interesantes, charlas, talleres, proyecciones de cine, o incluso un desfile de moda.

Grupo Bogolán Kasobane: el arte del barro en Mali
Casa de Vacas
Del 5 de mayo al 3 de junio de 2018
Paseo Colombia, Parque de El Retiro
Madrid

Más información:
Groupe Bogolan Kasobane
Asociación Proyecto África Amigos de Malí
Wirico: Grupo Bogolán Kasobane: “Es para nosotros un orgullo poner en valor nuestra tradición de una manera revolucionaria”, por Raquel Okakene